eme isaza

Reúne dos sistemas independientes de cada proyecto, el protocolo MASA y el sistema Cosmoaudition, que convierten fuentes, mediciones y observaciones atribuidas en señales tipadas, correspondencias y rutas. Cualquiera de ellos puede integrarse en otro instrumento, archivo o instalación. Sonic Field Labs lo publicó el 9 de agosto de 2026, con GERM como implementación de referencia.

El manifiesto abre LISTENING.md. Propone unos oídos centauros —la escucha compartida entre personas y agentes computacionales— y una acoulogía agéntica que mantenga la escucha algorítmica situada y responsable. Dialoga con el Listening Stack y el benchmark AuditumSWE.

La noche propuso explorar las dimensiones de Transcendental Qabbala, el sistema intelectual y artístico de Hunt-Hendrix. Comenzó con una conversación entre eme y Hunt-Hendrix, siguió con NANAY y cerró con Litvrgy. Muerte a la Miseria y La Pascasia presentaron el evento dentro de Salas Abiertas, con entrada libre.

NANAY describe Xynth como un instrumento de sonificación cosmotécnica. La tasa de hash de Bitcoin impulsa sus osciladores principales; la volatilidad de las memecoins modula el sonido, y la congestión de las redes Ethereum y Solana distorsiona el espacio. Las cuatro pistas documentan la máquina mientras sueña, falla y aterroriza por sí sola: la cadena de bloques aparece menos como un libro contable que como una fuerza que transforma la Tierra. Una versión generativa e interactiva funciona en el navegador. eme grabó y mezcló el lanzamiento en Momoto Studio.

Funciona como una capa portátil de habilidades que agentes como Claude, Gemini u OpenCode pueden cargar para llevar a cabo una investigación sonora estructurada y responsable, con modos de escucha explícitos y afirmaciones sujetas a una taxonomía estricta. Forma parte de The Listening Stack.

Cada entorno generado se trata como un objeto de investigación: su instrucción, resultado, informe de escucha, puntuación y revisión se conservan juntos. El marco abarca la biofonía, la antroponía y la tecnofonía, y estudia el paisaje sonoro tal como los sistemas computacionales lo producen, median, reconstruyen o vuelven a escuchar.

Forma parte de LISTENING.md, que reúne el manifiesto For Centaur Ears, The Listening Stack, un vocabulario de trabajo y este banco de pruebas en un mismo programa sobre cómo escuchan las máquinas. Sonic Field lo anunció en julio de 2026, cuando aún estaba en desarrollo.

Su pasarela local publica señales normalizadas, atribuidas y clasificadas según su estatuto epistémico mediante HTTP, Server-Sent Events, OSC, MIDI y registros MASA. Así, otros proyectos pueden usarlas sin adoptar el código. Dentro del Sonic Matter Framework funciona junto con el protocolo MASA.

GERM trata el sonido como materia que se puede generar, granular, mutar, enrutar, escuchar, cultivar y rastrear. Es la integración de referencia del Sonic Matter Framework y funciona con el Listening Stack. Como las otras herramientas de Labs, prioriza el uso local y es de código abierto.

LISTENING.md reúne cuatro partes: For Centaur Ears, un manifiesto de escucha algorítmica; The Listening Stack, un conjunto abierto de herramientas para la escucha agéntica; un benchmark para modelos de audio; y una referencia abierta para estudiar cómo escuchan juntas las personas y los agentes computacionales, y cómo se escuchan entre sí.

MASA, un protocolo Sound Matter Aware, ofrece a cualquier sistema un contrato compartido para medir, transformar, generar e intercambiar sonido como materia, sin confundir un archivo de audio, un evento físico, un relato perceptivo y una afirmación computacional. Tiene licencia MIT, incluye herramientas de línea de comandos, MCP y agentes, y sirve de base al Sonic Matter Framework.

Oída reúne el contrato de escucha AKOÚŌ, el protocolo de procedencia y memoria de Earworm y la biblioteca Akousmata en un servicio local, un panel, una interfaz de línea de comandos y una API. Puede escuchar mediante su propio motor de audio o recibir percepciones de un sistema anfitrión con capacidad de audio; ambas vías producen el mismo registro estructurado de afirmaciones y evidencias. Es una alfa pública de Sonic Field Labs.

Una herramienta diseñada para escuchar y meditar profundamente a través de voces sintéticas.

ORAM comenzó como un looper controlado por voz en la terminal y ahora reúne un instrumento en Python, un panel y servicio locales y una aplicación nativa para macOS. Toma su nombre y su epígrafe de Daphne Oram, quien escribió sobre los circuitos sintonizados que parecen existir dentro de nosotros.

Sonic Field Labs es la unidad de investigación experimental de Sonic Field sobre sonido, escucha, tecnologías de audio y cultura sonora. Su trabajo reúne acústica, acusmática, procesamiento de señales, cibernética, inteligencia artificial y estudios de la escucha. Sus repositorios abiertos, entre ellos Algophony, ORAM, GERM, Oída y The Listening Stack, se desarrollan con aleph::ch’ixi.

The Listening Stack es el código reutilizable, independiente de cada proyecto, que sostiene a Oída. AKOÚŌ establece cómo formular afirmaciones sobre el sonido; Earworm lleva contexto y procedencia entre herramientas, y Akousmata conserva una memoria sonora bajo ellas. Es abierto, funciona primero en local y sigue en desarrollo activo. Busca mantener intactas la evidencia, la procedencia y la línea de desarrollo en los flujos de trabajo de audio con agentes.

Ejercicio místico posdigital que usa un sintetizador generativo creado en el navegador para abrir un espacio audiovisual de retiro a partir de datos de navegación como la latencia de red, el estado de la batería, la aceleración del cursor y la hora. El proyecto busca una religiosidad apofática desde la condición cíborg, holográfica y basada en datos. La mediación produce una plasticidad digital que se traduce en un espacio de escucha y visualización orientado al encuentro cibermístico: una forma de mantener vivo el silencio sagrado dentro del robot. La versión en Bandcamp reúne distintas horas, momentos y configuraciones del algoritmo en una misma computadora. Puede escucharse como un recorrido continuo de veinte minutos en el que mutan las capas de textura generadas por el templo. También existe una versión generativa que funciona en cualquier navegador.

El cartel enumera a David Vélez, Eco Errazuriz y Ensamble Fisura, Ediciones Éter, Magenta, Máquinas Mestizas, rinri y ross, para el domingo 27 de abril de 2025 en Coocine, en la vereda El Plan. Fue presentado por aleph::ch’ixi.

El concierto fue presentado por aleph::ch’ixi. El trabajo de rinri con gong y sintetizador también está documentado en O + ~ y luna.

La zampoña, el ronroco, la gaita chonta y un cuenco cantor se encuentran con sistemas eurorack, distorsión y degradadores de señal. El lanzamiento se describe como lowercase rural, ambient de mariposas y drone para el musgo: síntesis granular escuchada entre el pantano, los pájaros carriquíes y los eucaliptos, una forma de recordarnos en metamorfosis. eme lo mezcló y masterizó en Momoto Studio; se publicó en diciembre de 2025.

Presentado por aleph::ch’ixi. La versión en estudio de la pieza de rinri es luna.

• laguna, con pacho, 28 de noviembre de 2025: Spotify
• cu, 14 de noviembre de 2025: Spotify
• pewpew, 26 de septiembre de 2025: Spotify
• FÁNTASI, 25 de julio de 2025: Spotify
• bb 0.5x, 16 de abril de 2025: Spotify
• arcoiris, 28 de febrero de 2025: Spotify

Antes de conocer la respuesta, el estallido es un acontecimiento acusmático que contiene ambas posibilidades, violencia y celebración a la vez, y el grupo sostiene esa ambigüedad. Las tres piezas parten de una sola grabación cuya fuente nunca se revela. tastas la fragmenta en granos, plomo (infra edit) conserva solo las frecuencias por debajo de 200 Hz y bala-pólvora eterna multiplica sus estallidos por millones mediante procesamiento granular. eme realizó la masterización en Momoto Studio; el lanzamiento apareció en noviembre de 2025.

rinri construye una espiral sonora como una invitación a escuchar y una pausa para el silencio. Aquí, ch’ixi nombra la fuerza que mantiene juntos el silencio y el ruido, lo tenue y lo intenso, la metalurgia y los circuitos. La grabación de estudio parte de una pieza interpretada primero en vivo; retrata la aparición y el desvanecimiento de la luna y está pensada para reproducirse en bucle. eme la masterizó en Momoto Studio y se publicó en febrero de 2025.

NANAY llama a su método demonología sonora: el estudio de lo oscuro y lo inhumano en el sonido. atohcib explora la redundancia y la reversibilidad. 176bchts superpone 176 copias ligeramente desplazadas de la canción, un proceso que el grupo llama clonación sonora. bichota (infra edit) conserva solo las frecuencias bajas; hiperb eleva el tono y el tempo hasta transformar la canción en una criatura electrónica, y demoniangel la derrite mediante estiramiento temporal y difuminado espectral. El lanzamiento incluye instrucciones para repetir cada proceso. eme realizó la masterización en Momoto Studio en abril de 2025.

Las canciones son 8, nada, m, bn y opio, cada una de ellas de dos a cuatro minutos de duración.

capul abrió un año de lanzamientos de eme Zzz que continuó con repitis, el EP trébol y no-ome.

aleph::ch’ixi fue la plataforma de desarrollo, conceptualización e investigación detrás de Sonic Field Labs, y publica lanzamientos, código y trabajo en vivo. Sus lanzamientos y eventos, entre ellos Jornada Glaciar, Concierto Un momento y Concierto drone, figuran en el portafolio. El estudio de caso de trabajos seleccionados presenta la trayectoria completa.

Cada pieza trabaja a partir de una sola grabación. aputería alarga y procesa espectralmente La Putería, también conocida como Pelea con el Diablo, de Octavio Mesa (1987). madre muerte (infra edit) filtra el hito de ultrametal de Parabellum de 1984 hasta convertirlo en un ruido negro casi silencioso. eternidad congela Nadie es eterno (1989), de Darío Gómez, en una nube de granos. Un texto acompaña el lanzamiento como mapa para repetir los procesos. eme lo masterizó en Momoto Studio; se publicó en noviembre de 2024.

F.S.U. presenta sus lanzamientos como voz, pulso y melodía ofrecidos como himno de nuevas utopías. gomita58 también dibuja portadas para el catálogo de aleph::ch’ixi, entre ellas las de O + ~, aputería y luna.

Las habilidades proponen instrucciones y condiciones decoloniales, arraigadas en Abya Yala, para que los agentes desarrollen formas de pensar ecológicas y epistemológicas. Toman su nombre del ch’ixi de Silvia Rivera Cusicanqui: la coexistencia de diferencias que no se fusionan. Ese concepto también da nombre a aleph::ch’ixi.

Incluye un tablero personalizado y scripts y documentación para configurar agentes, controles, entradas, salidas y flujos de trabajo de pantalla OLED.

HABITAT.md es un laboratorio de investigación y revista experimental sobre ética, ecología y espiritualidad en la cibernética contemporánea, parte de la práctica aleph::ch’ixi.

rinri reúne dos tecnologías por su fuerza sonora y su potencia meditativa: el gong, escuchado como un OM ancestral, y el procesamiento espectral que lo acerca a la onda sinusoidal. Ch’ixi aparece aquí como una cosmología en la que el universo es vacío y ruido, ondas en el silencio y tiempo circular, no lineal. La pieza sostiene un único momento como un drone continuo. eme la masterizó en Momoto Studio; se publicó en noviembre de 2024.

Edgar, conocido por su música entre el techno, el hip hop y el glitch en sellos como Warp, Ultramajic e Innovative Leisure, desarrolló una práctica visual que encontró espacio en la cadena de bloques mediante lanzamientos conceptuales de NFT. El ensayo sigue sus reflexiones sobre el color, la forma y el espacio, y la dimensión crítica de esa obra.

Comienza preguntando qué es la música electrónica: más que un género o un estilo, la incorporación de lo eléctrico y lo digital a la creación musical. Sigue el camino de Radigue desde el sintetizador ARP 2500 hasta la práctica budista y sus largos drones de transformación lenta, que invitan a una escucha sin fin.

eme participó junto a Diana Combo, Gustavo Costa, Budhaditya Chattopadhyay, Lawrence English, Antye Greie-Ripatti, Matthew Herbert, Kyoka, BJ Nielsen, Laura Romero y Natalia Valencia. También escribió sobre el proyecto para CLOT en Post-pandemic time.

El lanzamiento presenta flor como una oda a la cordura y evoca el paso de una intimidad a otra, de un silencio a otro y el bosque que somos. Se grabó, produjo y mezcló en Momoto Studio, con guitarras de Alejandro Henao en polen y polenn, masterización de David Uribe en Backdoor, Florida, diseño de Nicolás Muñoz a partir de una fotografía de Alejandro Henao y videos de Rossana Uribe.

A partir de Ocean of Sound, de David Toop, el ensayo aborda el ambient como una disposición de escucha más que como una técnica: música de deriva y estasis para cuerpos sujetos a nuevos límites y mentes saturadas por lo virtual. La publicación se acompañó de una selección de música etérea desde la década de 1990 hasta entonces y de un capítulo descargable del libro de Toop.

Audiosfera se propuso llenar una brecha histórica en el reconocimiento del sonido experimental, reuniendo cientos de obras de artistas de sonido de todo el mundo. Se presentó sin imágenes u objetos, en un diseño expositivo hecho para una escucha profunda y prolongada.

eme la describió como un gesto para recordar la interdependencia de todo lo que existe: una manera de encontrarse en la escucha y meditar sobre la sonoridad. La portada reproduce Tejido, un dibujo de la artista Andrea Domínguez Ramírez.

Monofónicos describió Cronotopía como una secuencia de código que se despliega en ruido, quiebres y pulsos: un recorrido por entornos cibernéticos guiado por la distorsión y las mutaciones rítmicas inesperadas. En sus diez pistas, las derivaciones del ambient se cruzan con el glitch frenético y el techno experimental. La nota del sello identifica a Roedor como un proyecto de eme; este fue su quinto lanzamiento en Monofónicos, en septiembre de 2019.

eilean 100 cerró el mapa de lanzamientos del sello y el proyecto mismo al reunir a artistas participantes desde sus inicios: seis horas de música, con 61 pistas nuevas o inéditas y 21 tomadas de catálogos anteriores. La contribución de eme es la pieza que abre Uji, publicado por Eilean en 2014 como la referencia eilean 07 de su mapa. La edición física se limitó a 175 copias.

La pieza surgió de una investigación sobre el sonido como intersticio entre lo material y lo inmaterial. Miles de fuentes procesadas con herramientas digitales confluyen en una materia sonora que la sala presenta como un espacio silencioso, abierto y desconocido: una exploración del sonido como elemento cósmico con dimensión propia. El estudio de caso sobre lanzamientos ofrece más detalles.

Un breve poema la enmarca: despedir una década y abrir otra con el mismo corazón, buscando estar vivos en el tránsito de las cosas. eme la dedicó a quienes habían acompañado su música durante esos diez años. La portada es de Kathiuska y la masterización se realizó en Momoto Studio.

Upallay es una palabra quechua relacionada con detener todo sonido y caos para encender el silencio. Leídos en orden, los títulos forman una frase larga, desde A fin de cuentas el sonido es el que habla hasta Con el sosiego que trae el momoto. La edición física limitada, diseñada por Pedro Arbeláez, consistía en un fragmento de tronco encontrado en el bosque, grabado mediante CNC, con una tarjeta microSD del álbum insertada en la madera.

Un texto breve abre el disco con la imagen de un vórtice que mantiene el ruido en órbita: la vida se eleva en vez de caer al suelo, como si desafiara la gravedad. Bioma, Isotopo, Gravedad y la pista que da título al lanzamiento desarrollan esa imagen mediante texturas y pulsos electrónicos. Las remezclas de oo y Pangüilof cierran la publicación, editada por ÉTER en octubre de 2018.

DesFase, también conocido como Negra AV, es el dúo de los artistas electrónicos Felipe Hernández y Mauricio Suaza. En arché, el éter funciona como una zona común donde luz y sonido reaccionan entre sí. La geometría de la instalación se pliega en punto, línea y plano, formas elementales de la vibración. Su texto plantea si la vibración podría ser el arché, el primer principio de todo lo que existe, e imagina la luz como una llama sonora en el éter.

El programa reunió conciertos de Jorge Haro, instalaciones de Leonel Vásquez, charlas con France Jobin y laboratorios experimentales. eme dirigió la curaduría y la producción.

Derivada del proyecto Darién, contrapuso el insecto como universo en miniatura a la inmensidad del territorio, en una sucesión de sombras y silencios, ráfagas y microsonidos. Se exhibió en el Museo de Arte de Pereira en 2018.

Con curaduría de eme, las obras se dispusieron como una sola composición espacial, donde el sonido apareció como un medio entre otros medios y un espacio para la especulación abierta desde la escucha. La exposición estuvo abierta durante dos semanas en el CreaLab de la Facultad de Artes de la Universidad de Antioquia.

Los títulos trazan un pasaje subterráneo, desde Propaganda a través de tres partes de Metellinum, el nombre latino detrás de Medellín, hasta Túneles, Péndulo y Subterfugio.

Noumena explora el microsonido como una forma de acercarse a objetos casi reales que permanecen velados, como figuras de un teatro del tiempo. Comienza con versos del poeta Roberto Juarroz sobre decir una palabra existente acerca de algo que ni existe ni deja de existir. eme realizó la composición, el arte de portada, el avance en video y la masterización.

Creada con grabaciones de campo y pequeños soportes digitales, la pieza habita un estado intermedio donde el sonido aparece como oscilación y latencia.

Esta versión trata la escucha como una dimensión especulativa y el sonido como un tiempo maleable.

Utiliza la materia sonora como elemento cosmológico y descompone el tiempo en milisegundos y ondas sinusoidales.

El proyecto propuso una militancia silenciosa mediante actos sonoros ocultos: cuatro conciertos acusmáticos con altavoces escondidos en Medellín, desde las calles del centro hasta parques como La Milagrosa y los bosques de Santa Elena. Flauta, kalimba, platillos y ondas sinusoidales se mezclaron con cada lugar y allí se grabaron; después se compusieron en un álbum publicado en noviembre de 2018, acompañado de un texto sobre la escucha y el espacio público. Grabaciones de David Escallón y eme, producidas por Éter Lab y Auditum.

Andy Hildebrand desarrolló el algoritmo después de años de analizar capas del subsuelo para la búsqueda de petróleo. El artículo sigue ese recorrido, desde la geofísica hasta uno de los efectos vocales más reconocibles de su época. Pone en relación las críticas —Time incluyó Auto-Tune entre los cincuenta peores inventos— con las nuevas voces y géneros que la herramienta hizo posibles.

Escrita mientras Dalt estaba en Colombia para Rock al Parque 2017, la pieza escucha su música como hipnagógica, entre experimentación y representación. Habla de actuar sola con sintetizadores, voz, vocoders y procesamiento en vivo, y del álbum que había terminado para principios de 2018. El artículo estrenó el video para su single Esotro.

Una obra de Camilo Tamayo, Rossana Uribe y eme que evoca, a través de exploraciones y distorsiones audiovisuales de la materia, ampliaciones de la percepción consciente, indagando en la interacción de la materia y lo inmaterial para albergar así una multiplicidad de manifestaciones espectrales de color, formas de objetos y frecuencias de sonido. A través del uso de metáforas y de juegos de palabras poéticos, se teje una narrativa cinematográfica que retrata quimeras sónicas y pictóricas, buscando una expansión consciente en nuestra consideración de la realidad, las facultades de percepción y las manifestaciones de energía.

La obra se presentó por primera vez en la exposición Ethereal Stand, en Bodega Central, durante MedellínDesignWeek 2017, junto con otros proyectos y piezas del laboratorio. Ese mismo año, durante la Semana de la Escucha, se presentó en un formato de proyección múltiple en el cierre del festival, junto con artistas nacionales e internacionales en el Auditorio del Parque Explora.

Realizada con Pedro Arbeláez, Rossana Uribe y Jaime Zapata bajo la dirección de David Escallón, con el apoyo del museo y de la Fundación Sofía Pérez de Soto, en alianza con el Ministerio de Cultura, la Universidad de Antioquia, Ibermuseos y Éter Lab. Estuvo abierta hasta el 12 de marzo de 2017.

VacuaMoenia llamó inner soundscape a la escucha de paisajes sonoros que las nuevas técnicas de grabación hacen posibles y que el oído normalmente no captaría. La convocatoria pidió obras sobre la forma interior de la materia e ideas de escucha profunda surgidas de la experiencia personal; la selección se convirtió en una compilación de trece pistas en marzo de 2017.

Las notas del álbum enlazan el realismo mágico con la filosofía orientada a los objetos: si todas las cosas cuentan por igual, reales o imaginadas, cada objeto puede escucharse como una resonancia presente y ausente a la vez. La obra entreteje grabaciones de campo, objetos encontrados, sintetizadores analógicos y campos electromagnéticos reunidos desde 2012 para ALEPH, una investigación sobre realismo mágico con Rossana Uribe y Camilo Tamayo. Tres títulos citan la primera página de la novela y el cuarto cita a Timothy Morton. Se presentó por primera vez como instalación acusmática en FLORA ars+natura, Bogotá.

Māyopama es un término sánscrito que significa «como una ilusión mágica». Sus ocho símiles, del sueño y el espejismo al eco y la ciudad de los gandharvas, dan nombre a las pistas. Las grabaciones de Roma, Nápoles, Benevento y la zona rural de Fortore —algunas realizadas durante la residencia Liminaria en Ginestra degli Schiavoni— pasaron por procesos de microsonido y tratamiento espectral hasta que lo sólido y lo etéreo llegaron a sonar por igual.

Una pieza proviene de los escaneos microsónicos de la selva de Darién, la otra de las derivas sónicas de ALEPH, la investigación sobre el realismo mágico y cosmología que también produjo Macondo.

El programa incluyó un panel sobre sonología, talleres de escucha profunda, conciertos e instalaciones.

Los títulos siguen un vocabulario de vida compartida y cambio, desde Volátil y Mímesis hasta Mutualismo, Mutación y Sinergia, y terminan en Tlön, después del mundo inventado de la historia de Borges.

Las grabaciones de insectos y sonidos diseñados se mezclaron en el jardín, invitando a los visitantes a buscar criaturas acústicas invisibles.

La serie pasa de las nociones básicas a la práctica de trabajo. Entre sus capítulos posteriores se encuentran El DAW no es el centro, sobre por qué la estación de trabajo no es el centro del trabajo, y La necesidad de integrar los roles, sobre reunir los roles del diseño sonoro.

El artículo distingue entre entrenar el oído para reconocer intervalos y frecuencias y cultivar la escucha como actividad mental y espiritual. Propone cinco ejercicios como invitaciones a encontrarse con lo que suena dentro y fuera, tanto en el plano acústico como en el inmaterial.

El artículo sigue la historia de la cimática desde las figuras de arena que Ernst Chladni describió sobre placas vibrantes en 1787 hasta Hans Jenny, el científico suizo que dio nombre al campo, y Margaret Watts-Hughes con su Eidophone. Entre ciencia y poesía, vincula esas imágenes de materia moldeada por la vibración con la antigua idea del sonido como fundamento del universo, presente en los Vedas y en el pensamiento pitagórico.

La residencia también produjo grabaciones utilizadas en Māyopama y el diario Ethereal Fortore, publicado en el blog de Liminaria.

El epígrafe presenta la idea de manipular las microfibras efímeras de los sonidos como una excusa para seducir el tiempo y detenerse a escuchar. Éter publicó la pieza como éter22, en descarga y mini CD-R, junto con una pieza audiovisual y un avance de Rossana Uribe.

Minutos después de que eme comenzara a grabar dentro de la catedral, alguien empezó a tocar el órgano y el propio edificio pareció convertirse en instrumento. A partir de esa resonancia, las piezas utilizan procesamiento granular y espectral para revelar las ondas simples dentro de sonidos complejos: disuelven los espacios grabados en bandas armónicas estrechas y granos próximos a la onda sinusoidal. El título sánscrito, «ni esto ni aquello», reaparece en los nombres de las pistas Ni esto y Ni aquello.

eme abordó la grabación de campo como una forma de desplazarse por el territorio, transformarlo y repensar su materia, más que de capturarlo. Estructuras granulares, articulaciones espaciales y ecos se exploran en varias escalas temporales y se entretejen en una red sin jerarquía que se expande en todas direcciones, como un rizoma. Galaverna sitúa la pieza dentro de una investigación prolongada sobre microsonido y vibración que cuestiona la escucha antropocéntrica.

El título alude a un diálogo silencioso que se renueva con cada escucha. Las partes del teclado conviven con paisajes sonoros y objetos encontrados grabados en Medellín, donde el álbum se compuso y mezcló entre 2015 y 2016. Chihei Hatakeyama, director del sello, realizó la masterización; la fotografía de portada es de Rossana Uribe.

Reunía obras de Alejandro Cornejo, Budhaditya Chattopadhyay, David Vélez, Fabio Perletta, France Jobin, John Grzinich, Manrico Montero, Robert Curgenven, Simon Whetham, Yann Novak y Yannick Dauby.

El título retoma el término de Raimon Panikkar para un tiempo en que temporalidad y eternidad son una: una plenitud del presente en la que lo cotidiano manifiesta la eternidad. El álbum explora esa idea en las conexiones del sonido entre distintas escalas temporales, desde microformas rápidas hasta redes amplias, con grabaciones de campo, objetos encontrados, flauta y armónica. Brian Housman, de Stationary Travels, destacó la nitidez y precisión de sus sonidos. El arte es de Alejandro Henao.

Compara el diseñador de sonido con el arquitecto. Ambos construyen espacios, uno de materiales y geometría, el otro de resonancias, ecos y las propiedades de materiales imaginarios, llevados a la narración y la emoción. El ensayo deja abierta la analogía, como un conjunto de preguntas sobre el espacio sónico.

El ensayo comienza con Pitágoras, que enseñaba detrás de un velo para que sus oyentes solo percibieran su voz, y sigue el recorrido del término hasta Pierre Schaeffer, quien adoptó «acusmático» para la música concreta y la escucha del sonido en sí mismo. Termina con una invitación al silencio y recuerda que escuchar es una actividad.

Tras una pieza anterior sobre el silencio y la experiencia de escucha, el ensayo se centra en los umbrales: los sonidos que no podemos oír pero siguen ahí, la nota cero y el espacio sonoro implícito de una película. Citas de Susan Sontag y Lisa Coulthard enmarcan el argumento de que el sonido mismo es silencioso, imposible de atrapar: una huella de la impermanencia.

El ensayo comienza con las teorías de Curtis Roads sobre las partículas sonoras y aborda el microsonido como un arte del detalle y la textura. Retoma la idea de Mitchell Whitelaw de conciliar materia y datos. Su argumento es que el fundamento del microsonido está en la escucha misma —una microaudición—, más que en la tecnología que lo hizo posible.

Bonsai reúne pequeños elementos extraídos del paisaje sonoro y los reagrupa mediante procesamiento digital, abriendo otras perspectivas sobre los lugares donde se grabaron. Su epígrafe propone buscar universos dentro de otros universos. Éter lo publicó en febrero de 2014 como éter03, en descarga y en una edición de 30 mini CD-R; la página del catálogo acredita la pieza a eme.

Burbuja es el último de los lanzamientos de Isz, que entre 2011 y 2014 convirtió grabaciones de campo de objetos, ciudades y paisajes en microsonidos. Comparte ese enfoque con Forms, Hums, Spheres, 200X y Bonsai.

El lanzamiento se abre con una pregunta sobre la diferencia entre buscar lo audible y buscar lo inaudible. De Pneuma a Gravedad, las seis piezas tejen sonidos como rutas de la nada, canciones para una levedad en la que flotan cuerpos silenciosos: el frágil vaivén de la escucha entre lo que aparece y lo que no. Éter lo publicó en abril de 2014 como éter06, en descarga y CD-R con una edición de 70 copias.

Las seis piezas, de Madrugada a Ecos, se compusieron entre mayo y octubre de 2014 y se presentaron por primera vez ese octubre en el Planetario de Medellín, con una proyección cósmica y lecturas de los haikus. Éter publicó el álbum como éter11, en descarga y CD-R con una edición de 80 copias.

Entre performance e instalación, la pieza sonó en las salas del museo mientras el público recorría las pinturas de Débora Arango, Ethel Gilmour y Beatriz González, que exploran la historia del conflicto colombiano y la lucha entre partidos políticos. Su epígrafe invita a respirar y escuchar el silencio incluso entre los gritos de guerra. eme donó la pieza a la colección del museo.

Ambos artistas procesaron intuitivamente las grabaciones del otro y construyeron una historia a partir de fragmentos sonoros intercambiados entre los dos países. El lanzamiento consta de dos partes.

Charango, zampoñas, armónica y una caja de música aparecen entre las grabaciones. El título retoma el concepto de «ser-tiempo» de Dōgen. En la nota para el sello, eme describe cada fenómeno como un momento singular, comparable a sonidos efímeros que flotan en un océano de impermanencia. Eilean lo publicó en septiembre de 2014 como la referencia eilean 07 de su mapa, en una edición de 80 copias con fotografías de Mathias Van Eecloo. En Fluid Radio, Matt Gilley destacó la sensación de misterio de sus paisajes sonoros.

200X trabaja a escala del paisaje sonoro microscópico. Sonidos de insectos, cantos de aves, lluvia y grabaciones con hidrófono hechas en Llanogrande fueron aislados, divididos en pequeños elementos y reorganizados. El lugar sigue siendo audible mientras su escala y su espacio cambian alrededor de quien escucha. Flavien Gillié, en un texto para el sello, describió un recorrido desde lo más pequeño hasta lo cósmico.

Auditum comenzó en 2013 como una colaboración entre Éter Lab y el Exploratorio del Parque Explora. Su Semana de la Escucha anual y sus eventos itinerantes abordaron el sonido, el silencio y el ruido como formas de escuchar el territorio. La historia completa se cuenta en el estudio de caso de los trabajos seleccionados.

El catálogo comenzó con Retorno de Lü en diciembre de 2013 y creció con una serie en CD-R, la serie Akasha de música ambiental —del microsonido al drone— y posteriores ediciones digitales y en vinilo, como flor.

Los títulos están en quechua: Uray y Wichay, abajo y arriba, e Intiq Chinkanan e Intiq Lloqsinan, donde el sol se pone y donde sale. Como los otros discos de Arpa, reúne ondas sinusoidales e instrumentos andinos procesados en espacios lentos e introspectivos. La edición digital data de julio de 2013.

El lanzamiento describe sonidos sin salida ni retorno, como átomos sin dueño en un océano infinito de sueños, donde el único oyente y lo único que se escucha es el silencio. Los cuatro títulos, Ku, Za, Zen y Mu, provienen del vocabulario de Zen, y una línea del maestro Zen Taisen Deshimaru va con ellos. Apareció en junio de 2013.

El lanzamiento evoca sueños materiales, rutas de éter e ilusiones silenciosas en delicados retratos efímeros del infinito en el microcosmos y el macrocosmos. Grabaciones urbanas y naturales reunidas en Colombia entre 2008 y 2013 se combinan con instrumentos acústicos y electrónicos procesados para explorar el timbre y la relación entre tiempo, forma y espacio, en varias escalas temporales a la vez. La ilustración es de Andrea Domínguez.

Creado en Medellín con grabaciones de campo e instrumentos electrónicos y acústicos, Retorno nace de un breve poema sobre caminos entrelazados que permanecen unidos incluso al separarse, donde regresar se convierte en motivo para avanzar. Éter lo publicó en diciembre de 2013 como éter01, en descarga y mini CD-R con una edición de 50 copias.

El sonido provenía de tres piezas hechas de grabaciones de campo en Antioquia y de instrumentos andinos procesados, posteriormente publicadas por Ediciones Éter como simple.mente.

Paz, Penumbra y Vacuidad atraviesan el miedo, la sombra, la compasión, la soledad y la quietud, mientras la mente permanece simple, vacía y en paz, según la presentación del lanzamiento. La obra completa se mostró por primera vez como instalación audiovisual en la galería Plazarte de Medellín en agosto de 2013. Éter la publicó ese diciembre como éter02, en descarga y CD-R con una edición de 50 copias; su catálogo acredita las piezas a eme.

Sonic Field publica noticias, reseñas, entrevistas y ensayos, y mantiene índices públicos de libros, herramientas y conceptos. Su unidad de investigación es Sonic Field Labs. El estudio de caso sobre este trabajo ofrece la historia completa.

Sonidos seleccionados de una computadora (aire, contacto y campos electromagnéticos). Una composición que crea un entorno sonoro entre lo orgánico y lo sintético.

eme cofundó Éter Lab con Alejo Henao en 2012, lo dirigió y después asumió la curaduría de su sello y del festival Auditum hasta 2022. Su trabajo aparece en todo el portafolio, desde exposiciones como Escuchas, Darién (LAB3) y Hipnagogia hasta el sello Ediciones Éter y el festival Auditum. La historia completa está en el estudio de caso de los trabajos seleccionados.

Cada uno de los ocho Hums aísla un pequeño sonido capturado en el campo —un objeto o un fragmento de paisaje sonoro— y deja que su textura se desarrolle lentamente de cerca. Tras el CD de edición limitada de Outside, el álbum se publicó en formato digital en mayo de 2012 y ahora circula solo en ese formato.

Ambos buscaron conectar sus ciudades en una narración. La pieza comienza en la quietud de la naturaleza y avanza hacia lugares cada vez más urbanos y concurridos, donde las ciudades se superponen y orbitan entre sí: los pasos en Matsumoto se cruzan con otros en Medellín a través del campo estéreo, y los pasajeros de un tren que sale de la estación de Matsumoto se mezclan con voces colombianas.

Según la descripción del sello, un roedor recorre el sistema, recicla ruidos y los combina en estructuras cambiantes. Estos mundos, creados con grabaciones de campo e instrumentos electrónicos, se sitúan entre lo concreto y lo abstracto, el instinto y la máquina, en una exploración de nuestra naturaleza artificial. El arte de portada es de Mónica Saldarriaga.

Raíces apareció primero en el netlabel Inside y se publicó en Bandcamp en julio de 2012. La combinación de tonos puros e instrumentos andinos procesados también recorre los otros discos de Arpa: Mushotoku, Llaves y simple.mente.

Cuando Sonic Field comenzó a finales de 2013, eme integró infinite grain en la nueva plataforma. Las reseñas se trasladaron allí junto con las entrevistas de infinite grain.

Mediante procesamiento granular y espectral, las grabaciones se convierten en esferas metálicas que crean la ilusión de objetos construyendo un espacio también metálico y esférico. La pieza plantea una pregunta: ¿percibe el oyente una esfera o es el propio oyente la esfera? Audiotalaia acredita la composición a eme; el arte es de Santiago Merino.

Serie de imágenes generativas desarrolladas para visualizar el microsonido en el proyecto Atomic Valley (2011–2013). Integra sistemas de partículas de TouchDesigner y formas geométricas alteradas y combinadas con sonogramas manipulados.

Los diseñadores estudiaron tres tipos de espacio y cómo se movían las personas a través de ellos; a partir de ese estudio definieron parámetros geométricos y polígonos irregulares. Esas formas se convirtieron en la base del sonido: grabaciones de campo de la actividad urbana, procesadas hasta transformarse en objetos que interactúan en tres espacios distintos. El lanzamiento, de diciembre de 2011, acredita a eme en la composición.

Entre 2010 y 2011, los sintetizadores, las cajas de ritmos, los objetos encontrados y las grabaciones de campo dieron forma a un ecosistema de ritmos de techno fragmentado, un híbrido de vida orgánica y sintética. Los títulos van de Núcleo y Roble a Faro, Éter y Páramo.

Designing Sound lo anunció en junio de 2010 como su blog hermano en español, alojado en Hispasonic, entonces la mayor comunidad de producción de audio en español. Publicó artículos propios junto con entrevistas y contenidos traducidos de Designing Sound.

Designing Sound reunió entrevistas, reseñas, artículos técnicos y recursos sobre diseño sonoro para cine, videojuegos y medios interactivos. eme lo fundó en 2008 y dejó el proyecto en 2010; una comunidad de editores mantuvo el sitio durante años. Sus series de entrevistas aparecen en el portafolio como Featured Sound Designers y Entrevistas sobre sonido para videojuegos, y su trayectoria se cuenta con más detalle en el estudio de caso sobre escritura y edición.

eme cofundó Monofónicos en 2008 y lo codirigió hasta 2010. Su catálogo publicó más adelante los álbumes de Roedor, desde Metrópoli hasta Cronotopía.